【警政時報 司徒／臺北報導】「藝之至者，必不合俗。」——明．董其昌。公共藝術一旦進入城市，就不再只是造型與美感的問題。它會被使用、被穿越、被停留，也會被評論、被誤解、被快速定型。然而，當討論仍停留在「像不像」、「好不好看」、「看不看得懂」時，我們或許該先釐清一件事，這一次，創作團隊是在提出一種「具有功能性的公共藝術」。
什麼是失敗的設計?一個拒絕「只被觀看」的創作立場是大家說的失敗的創作嗎？2026 花蓮太平洋燈會的創作，從一開始就沒有打算成為一件，只能站在遠方、被快速消費的視覺物件。它的存在，不只是為了被”觀賞”，而是更希望被走進、使用、經驗。這正是許多質疑產生的關鍵，我們用「看懂抽象藝術」的期待，去要求一件其實正在被使用的作品。
所謂「功能性藝術」，並不是實用主義，而是強調讓藝術真正進入人的生活層次。這組作品被設計成可以行走、停留、穿越的空間；它不要求觀者解碼符號，而是邀請身體直接參與。當一件作品被設計來「使用」，它就不再只是象徵，而是空間本身。這也是為什麼，創作團隊從未把重點放在造型詮釋，而是從城市尺度與行走路徑出發。
140 公分，不是細節，而是立場！作品的主要觀看高度，被設定在 140 公分。這不是裝飾性選擇，而是一個非常明確的創作宣言「藝術，不必被仰望，而應該回到與人平視的位置。」在這個高度裡：人走在高台上，往下看演出與流動，是一件作品；人站在下方，遠望橋面與山嵐中穿梭的人群，又成為另一件作品。人不是干擾，而是結構的一部分。行走，不是附加行為，而是創作正在發生的方式。
當「使用」成為風景，公共藝術才真正完成，長久以來，我們習慣把公共藝術視為「被觀看、被拍照、被評論」的對象。但這一次，創作團隊提出了另一種可能使用作品，本身就是風景。奔跑、停下、回望、坐著聊天，這些日常行為，與光、結構、風，共同完成了作品。這不是抽象藝術的閱讀困難，而是功能性藝術拒絕被簡化的必然結果。
爭議，恰恰說明作品正在發生作用，所有試圖改變觀看方式的公共藝術，都注定會經歷誤解。被截圖、被斷章取義、被快速評斷，並不代表創作失敗，而是代表作品正在逼迫城市，重新學習「如何與藝術共處」。「畫不求似而神似，似之為美，俗也。」——清．石濤。這次創作追求的，不是視覺的相似，而是生活狀態的貼近。
創作團隊的回應，是把藝術放回生活。值得肯定的是，面對外界聲浪，創作團隊並未選擇辯解。由胡湘玫老師帶領的「燈會期間限定織染坊」，不是說明會，也不是補救行動，而是再次強調同一件事藝術不是完成品，而是一段可以被參與的過程。親手染布、翻曬、等待，讓「光」不再只是結果，而是一段需要時間的經驗。
公共藝術需要被討論，但更需要被理解為「正在使用中」活的公共藝術最困難的，不是被看見，而是在尚未完成與城市互動之前，就被過早定型。不被一眼看懂，並非缺陷，而是功能性藝術對城市提出的邀請。如果我們期待城市的美，不只是安全、熟悉、好拍照，那麼我們就必須允許創作者，偶爾把藝術放在理解之前。
為創作團隊說一句話，這一次的花蓮太平洋燈會創作，不是在挑戰觀眾，而是在挑戰我們對公共藝術的生命與想像。它不是抽象藝術，而是一件正在被使用的作品。在快速下結論之前，也許我們可以走慢一點、站進去一點，讓身體先理解，再讓語言追上。因為公共藝術真正完成的時刻，從來不是點燈的那一晚，而是城市願意與它一起生活的那一刻。
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